Jim Hart nunca ha sido uno para sentarse quieto, musicalmente o de otro tipo. Ya sea que esté detrás de un vibráfono, un kit de batería o un piano, siempre ha sido atraído por los bordes de lo que es posible, curioso sobre lo que sucede cuando difumina los límites, entre los géneros, entre la composición y la improvisación, entre mundos acústicos y electrónicos. Sentado a hablar sobre su viaje, su banda The Cloudmakers Trio y su último álbum A Drop of Hope in the Ocean of Incertyty, la conversación de Hart es tan abierta y exploratoria como su música.
Cuando le pregunté a Jim sobre los inicios del trío de Cloudmakers, su respuesta fue refrescantemente sencilla. “Todo comenzó con Dave Smith, de verdad. Fuimos compañeros de piso durante casi una década a principios de la década de 2000, tocando juntos constantemente. Dave ya estaba en mi antigua banda, Gemini, así que tuvimos esta taquigrafía”. La tercera pieza del rompecabezas fue el bajista Michael Janisch, quien llegó a Londres justo cuando Jim y Dave buscaban nuevos desafíos musicales.
“Michael estaba organizando estos conciertos con invitados internacionales: reunió secciones de ritmo, y Dave, Michael, y yo me convertí en el trío de la casa durante un tiempo. Tocamos con algunos músicos fantásticos, como Yuri Pukl y Ralph Alessi. El concierto con Ralph en realidad se convirtió en una gira, y grabamos esas noches, que se convirtieron en nuestro primer álbum”.
Al escuchar la historia de origen de los fabricantes de nubes, lo que me sorprendió fue cuán orgánica era la formación del trío. No hubo un gran plan, solo tres músicos que hicieron clic, ensayaron y atacaron hasta que la química se volvió innegable. Jim continuó: “Me di cuenta de que esta era la dirección que quería tomar para mi próximo proyecto. En ese momento, la escena del jazz estaba saturada de tríos de piano, pero los tríos de vibraphone eran raros. Se sentía como un formato no explotado, así que pensé, ¿por qué no desafiarme a mí mismo?”
Ese sentido de desafío y curiosidad ha impulsado a los creadores de nubes desde entonces. Después del Proyecto Ralph Alessi, lanzaron algunas de las grabaciones en vivo como disco, y las cosas despegaron desde allí. “También nos hemos expandido a formaciones más grandes como cuartetos y quintetos. Eso fue en 2010, por lo que han pasado unos 14 o 15 años. Ha sido un gran viaje”.
La colaboración está en el corazón del trabajo de Jim, y el nuevo registro de Cloudmakers, una caída de esperanza en el océano de la incertidumbre, no es una excepción. “Después de centrarme en el vibráfono como el instrumento armónico central por un tiempo, quería volver a visitar agregar un piano. He tocado con grandes pianistas antes, como Ivo Neame, que es fantástico, pero estaba listo para explorar ese mundo de sonido nuevamente con los fabricantes de nubes”.
La pregunta era: ¿Quién? En los últimos años, Jim había tocado en el Festival Bezu Beatz en Austria varias veces, siempre cruzando caminos con Leo Genovese. “Cada vez, Leo también estaba allí. Nos conocimos, y seguí su música de cerca. En 2023, escuché a su trío en Bezau Beatz, y me quedé impresionado. Ese fue el momento en que pensé: ‘Tengo que hacer esto con Leo'”.
Es el tipo de historia que solo es posible en el jazz: dos músicos que orbitan los mismos festivales, finalmente conectándose en el momento justo. “La primera vez que toqué en Bezau Beatz fue con Cloudmakers, y Leo estaba allí. Le encantó lo que estábamos haciendo, y sentí lo mismo con su música. Cuando escuché a su trío ese año, simplemente hizo clic. Escribir música para él era inspiradora, y se sentía como el ajuste perfecto”.
Tenía curiosidad por el desafío de escribir tanto para el piano como para el vibráfono, dos instrumentos que pueden amenazarse fácilmente armonicamente. Jim era sincero: “Esa fue una consideración importante. Quería compartir los roles armónicos y melódicos por igual entre el vibráfono y el piano, casi como combinar un trío de piano y un trío de vibráfono en un ‘cuarteto de trío’. Ambos instrumentos serían voces principales, tocando melodías y armonía “.
Describió las piezas de escritura donde los instrumentos duplicarían melodías o explorarían diferentes voces, a veces extendiendo el rango armónico superponiendo las partes. “El vibráfono se limita a cuatro notas a la vez, por lo que tener el complemento de piano o reducir su papel a veces creó algunas texturas interesantes. Por ejemplo, el piano podría jugar solo tres o cuatro notas para duplicar lo que el vibrafone está haciendo. Se trataba de casar los sonidos de los dos instrumentos y explorar todas las combinaciones que podríamos usar”.
Las habilidades de Leo en los sintetizadores también fueron un factor. “Es un jugador de teclado increíble, por lo que quería incorporar sus habilidades en sintetizadores como el Profeta 6 en algunas pistas. Mike Janisch tocó el bajo eléctrico, que no habíamos usado mucho antes con los fabricantes de nubes, y Dave Smith usó algunos bucles en vivo y efectos en la batería. Por lo tanto, el álbum fue una oportunidad para explorar la electronesia y expandir nuestra paleta de sonido”.
Una cosa que me sorprendió inmediatamente sobre el nuevo álbum fue cuán sin problemas se mueve entre el material compuesto e improvisado. Le pregunté a Jim si ese era un objetivo consciente. “Sí, definitivamente. Debido a que Leo tiene su sede en Nueva York y tiene una agenda ocupada, sabíamos que los ensayos serían limitados. La música que escribo no es necesariamente compleja por el bien de la complejidad, pero así es como lo escucho: arquitectura clara con ideas simples”.
El proceso fue metódico: “Mike, Dave y yo ensayamos y tallamos extensamente la música antes de enviar grabaciones a Leo. Luego tuvimos un ensayo de tres horas con él la noche antes de grabar. Leo está increíblemente preparado y tiene esta sorprendente habilidad para adaptarse a cualquier contexto musical y elevarlo. Se sintió como un miembro natural de los nubes de inmediato”.
Jim citó el último cuarteto de Wayne Shorter como una influencia clave. “Ese grupo bordeó las líneas entre la composición y la improvisación de una manera que resonó profundamente conmigo. La conexión de Leo con Wayne Shorter también inspiró parte del material”.
Al escuchar el disco, está claro que Leo no suena como un invitado: suena como una extensión de la banda. Le puse esto a Jim y él estuvo de acuerdo. “Leo encaja tan naturalmente en la música que realmente es solo el trío de Cloudmakers que se hace más grande. Tiene esta cualidad similar a un camaleón: siempre toca lo que la música necesita. Esa versatilidad es una gran fuerza. No impone un ‘Leo Sound’ distinto pero mejora el sonido del grupo, lo que lo hace rico y más expansivo”.
El nuevo álbum presenta más electrónica que los lanzamientos anteriores de Cloudmakers, y tenía curiosidad por saber cuán deliberado era. “Definitivamente fue intencional. Desde el comienzo del proceso de escritura, tenía ciertas canciones en mente que se beneficiarían de los sintetizadores, el bajo eléctrico y el procesamiento en vivo en la batería. También usé algunas preparaciones acústicas en el vibráfono”.
Jim tenía claro que la electrónica no era solo para mostrar, estaban integrados en las composiciones desde cero. “Los bajos y pedales eléctricos de Mike, el procesamiento en vivo de Dave y los sintetizadores de Leo como el Profeta 6 contribuyeron a expandir nuestro paisaje sónico. Las composiciones se formaron con estos sonidos en mente. Fue divertido empujar aún más a ese territorio”.
Y a pesar de la tecnología, el álbum es un documento de interpretación en vivo. “Todo en el álbum se reproduce en vivo, con muy poco sobredubbing. Hay un poco de overdub en una canción donde Leo agrega Profeta 6 sobre el piano, pero de lo contrario, todo es una actuación en vivo. Esa energía en vivo es importante para nosotros”.
Siempre me ha fascinado la dinámica interna de las bandas, especialmente aquellas con líderes fuertes. Le pregunté a Jim cómo es la colaboración de las nubes. “Es principalmente mi proyecto. La música es principalmente mía. Pero Mike y Dave son increíblemente solidarios y contribuyen con ideas que ayudan a dar forma al trabajo. Michael Janisch, que dirige nuestro sello, también juega un papel importante detrás de escena. Si bien es mi banda y música, es un gran esfuerzo colectivo en términos de rendimiento y evoluciona el sonido”.
El fondo musical de Jim es tan rico como sugiere su interpretación. “Crecí en Cornwall, en el suroeste del Reino Unido, en una familia muy musical. Tuve la suerte de tener excelentes profesores de música desde una edad temprana. Comencé lecciones de percusión con Russell Davis cuando tenía unos cinco años, y simultáneamente comenzó lecciones de piano con Cecil Duval, que era de Filadelfia y había sido un musical de la sesión de la sesión de Toeddy Teddy.”.
Él acredita a su familia por fomentar un amor por la música. “Mi hermano mayor es un trompetista, y su maestro era un músico de jazz, por lo que había mucho jazz en la casa. Mi padre dirige coros y intervino para liderar la gran banda local después de que el líder anterior falleció. Mi madre incluso tomó saxofón para tocar en él. Por lo tanto, la música era parte de nuestra vida familiar”.
Sus estudios formales lo llevaron a la Escuela de Música de Chetham en Manchester, luego a Guildhall en Londres, aunque se fue antes de terminar para buscar conciertos. “Toqué el piano, la batería y la percusión del mazo en varios entornos, pero no tocaba mucho en las vibraciones de jazz. Eran amigos como Gwilym Simcock y Gareth Le Crane quienes me animaron a concentrarme en la vibréfona, diciendo que no había muchos jugadores de Vibes y debería perseguirlo. Ese consejo realmente me quedó”.
Como alguien que pasó años a horcajadas sobre diferentes roles musicales, estaba ansioso por escuchar cómo Jim se ve a sí mismo. “Esa es una gran pregunta, y honestamente, creo que ‘percusionista’ es un buen término paraguas para mí, porque cubre vibraciones y tambores. Pero, para ser más específico, realmente me veo a mí mismo como un baterista y un vibrafonero, igual. Ifal.
Habló sobre la inspiración que recibe al trabajar con otros bateristas y vibrafonistas, y cómo el cambio entre instrumentos mantiene las cosas frescas. “Cada vez que estoy ocupado en un instrumento, me encuentro practicando el otro. Si estoy dando vueltas en la batería, pasaré mi tiempo de práctica en las vibraciones y viceversa. Es una excelente manera de mantener las cosas frescas: un cambio de espacio de cabeza y una nueva perspectiva musical cada vez. Entonces, sí, ‘se ajusta’ percussionista ‘, pero en el núcleo, solo soy un musicista que ama la batería y el vibraciones”.
Jim también interpreta a Marimba, aunque con menos frecuencia vive. “También toco Marimba. Tengo uno en casa y lo toco de vez en cuando. Cuando estuve con la banda de Marius Neset durante unos diez años, toqué mucha marimba, así como vibraciones. Todavía toco Marimba en casa, pero no tiendo a verlo muy a menudo. Es una bestia de un instrumento, pesado, pesado, y no el fácil para carro en el carrito o que se entregó con la misma transmisión.
Es honesto sobre los límites del instrumento para su trabajo en vivo. “Musicalmente, también encuentro la marimba algo restrictiva en ciertos contextos. Si voy a tocar marimba en un concierto, generalmente también quiero un vibráfono allí. Los dos se complementan entre sí, pero el mundo sónico de la marimba es un poco más estrecha para los tipos de música que me gusta tocar en vivo”.
Cuando se trata de electrónica, el enfoque de Jim es pragmático. “En realidad no, al menos no en la forma en que algunas personas lo hacen. Solía tener un sistema de recogida en mis vibraciones, que ejecutaría los pedales de efectos. En estos días, uso los micrófonos de contacto y los ejecuto a través de un par de pedales, pero trato de mantener las cosas bastante análogas”.
Admira a los músicos que se sumergen profundamente en la electrónica: “Trabajo en estrecha colaboración con Petter Eldh, y me encanta su trabajo de producción. También me gustan los artistas como Flying Lotus. De hecho, un par de canciones en el último registro de Cloudmakers están influenciados indirectamente por Flying Lotus. Pero honestamente, honestamente, hay personas que hagan ese tipo de cosas extremadamente bien, y mantienen mis vibraciones que están jugando en el nivel de nivel de nivel de nivel de nivel. demasiado delgado “. Pero él no está descartando nada. “A veces me imagino ejecutar mis micrófonos en Ableton y procesar cosas en vivo. Tengo algunas ideas para un proyecto en solitario que podría explorar ese territorio, tal vez la próxima vez que haya un gran descanso, como, no sé, ¡la próxima pandemia! Pero en este momento, tengo mucho en mi plato con la escritura y la actuación”.
Lo que me quité de mi conversación con Jim Hart fue una sensación de movimiento perpetuo: un músico que siempre busca, siempre cuestionando, siempre curioso. Ya sea que sea el líder de las nubes, colaborando con nuevas voces o soñando el próximo proyecto, el enfoque de Jim se basa en la apertura, el rigor y un amor genuino por el oficio. Es un recordatorio de que el mejor jazz nunca es estático, y los mejores músicos nunca dejan de aprender.
Texto de: Peter McLarren | Fotos de: Victor Guidini, Alex Bonney, Monika Jakubowska. Foto adicional cortesía del artista.
