Falleció Roy Haynes, pionero de la batería de jazz moderno

Roy Haynes ha fallecido. Fue el último miembro superviviente de un pequeño pero selecto grupo de bateristas que saltó a la fama a mediados de la década de 1940, introduciendo elementos conversacionales en el vocabulario rítmico del jazz y desafiando la idea de que la función principal de un percusionista era mantener el ritmo. Apodado “Snap Crackle” por el bajista Al McKibbon – supuestamente en una aproximación de su sonido de caja excepcionalmente nítido – Haynes se distinguió por su uso innovador de platillos, impulsando el ritmo mientras agregaba comentarios rítmicos a lo que tocaban los otros músicos. Al utilizar colores de percusión y sombreados para apoyar a los solistas y generar tensión, se unió a otros músicos como Art Blakey, Kenny Clarke y Max Roach para impulsar la batería de jazz hacia una nueva era de virtuosismo.

Durante su notable carrera de 75 años, que comenzó al final de la era del swing de las big band y atravesó todo, desde el bebop hasta el free jazz, la fusión y el jazz latino, apareció en más de 600 discos, muchos de ellos con los nombres más importantes del jazz. como charlie parker y Monje Thelonious. Y aunque permaneció relativamente desconocido fuera del mundo insular de los músicos y aficionados al jazz, sus colaboradores lo vieron como un intérprete cuya destreza y energía eran incomparables. John Coltrane Lo describió en una entrevista de 1966 como “uno de los mejores bateristas con los que he trabajado”. El pianista Chick Corea, que comenzó su carrera tocando junto a Haynes en Stan GetzLa banda de mediados de la década de 1960 lo llamó “un tesoro nacional”, y Pat Metheny, uno de sus colaboradores más cercanos en la década de 1990, apodó a Haynes “el padre de la batería moderna”.

Primeros años

Nacido el 13 de marzo de 1925, Roy Owen Haynes creció en el área de Roxbury de Boston, Massachusetts, el tercero de cuatro hijos de Gustavus y Edna Haynes, quienes habían emigrado a Estados Unidos desde Barbados. Su padre, que trabajaba en la empresa Standard Oil, era un músico aficionado que cantaba en un coro y tocaba el órgano. La afinidad de Haynes por el ritmo fue evidente desde una edad temprana. “Siempre quise tocar la batería”, dijo al sitio web de los premios Grammy en 2007. “Estaba tocando en la mesa del comedor y en los platos de mi madre y simplemente estaba rompiendo todo”.

A los 15 años, Haynes decidió tomarse en serio después de que su hermano le interpretara “The World Is Mad”, un conde basie melodía de big band que chisporroteaba con polirritmos sincopados, cortesía de Jo Jones, el dinámico stickman del pianista y compositor: “Cuando la escuché, realmente supe eso es lo que quería hacer”, le decía Smithsonian revista en 2003.

La gran oportunidad

Después de formarse en una serie de bandas de swing locales, obtuvo su gran oportunidad en 1945, cuando el pianista panameño Luis Russell lo invitó a unirse a su big band de 10 integrantes en Nueva York. El enfoque fluido de Russell hacia el ritmo cambió la vida del baterista de 20 años. “Fue entonces cuando aprendí que no hay un tiempo definido para la música, sólo un espacio”, dijo. Smithsonian revista al describir su año con el grupo. “Podrías ser más relajado con los ritmos. Pero también aprendí que hay que tener control y swing”.

Después de dejar la banda en 1946, Haynes continuó explorando esa premisa durante un período de dos años con el saxofonista tenor. Lester jovenun músico cuyo estilo unía el swing con la corriente musical de moda que arrasaba en Nueva York en ese momento: el bebop, una nueva y compleja forma de jazz que enfatizaba el virtuosismo instrumental en un entorno de grupo pequeño. Para entonces, había comenzado a incorporar hábiles florituras de percusión en sus actuaciones, utilizando platillos y patrones de caja para colorear fuera de las líneas del ritmo. A medida que la década de 1940 avanzaba hacia la década de 1950, ese enfoque aireado y elástico se convertiría en su marca registrada, especialmente después de que comenzó a colaborar con el saxofonista alto y pionero del bebop Charlie “Bird” Parker, cuyo enfoque experimental de la melodía, la armonía y el ritmo complementaba sus instintos exploratorios.

La capacidad de Haynes para lograr el equilibrio adecuado entre agresión y moderación lo convirtió en un acompañante muy deseable. Durante la década de 1950, colaboró ​​con cantantes como Sarah Vaughan y billie vacacionesquien ayudó a perfeccionar su sensibilidad como acompañante, así como una variedad de instrumentistas, incluida la leyenda de la trompeta. Luis Armstrong. Pero fue su trabajo junto a los experimentalistas más descarados del jazz donde el baterista realmente destacó. Durante esa década, apareció en varias obras maestras del jazz moderno, entre ellas Miles Davis‘ Miles Davis y cuernos (1951), Bud Powell El asombroso Bud Powell (1952) y Sonny Rollins. El sonido de Sonny (1957). Cada vez más, Haynes parecía abordar la interpretación en conjunto como una conversación: escuchaba atentamente lo que tocaban los solistas y respondía con réplicas y apartes rítmicos.

Su compañero de entrenamiento más formidable

De los muchos músicos con los que colaboró ​​en la escena neoyorquina de la década de 1950, quizás su compañero de entrenamiento más formidable fue Thelonious Monk, un excéntrico pianista y compositor cuya música se definía por melodías angulares, cambios de acordes inusuales y metros cambiantes. “Había muchas cosas complicadas al jugar con Monk”, dijo Haynes. cera de jazz en 2008. “Realmente había que escuchar a este tipo porque podía tocar los tempos más extraños”. Aún así, en los álbumes en vivo de 1958 Thelonious en acción y misteriosoHaynes demostró que era uno de los pocos bateristas que podía navegar con aplomo las resbaladizas idiosincrasias rítmicas del pianista.

“Haynes siempre tuvo una manera de encender un fuego bajo la banda de Monk, sin importar el tempo”, escribió el autor Robin DG Kelley en su biografía de 2009. Thelonious Monk: la vida y la época de un original estadounidense. Monk, por su parte, describió el estilo de tocar la batería de Haynes como “una bola ocho justo en el bolsillo lateral”.

A pesar de su apretada agenda como acompañante, Haynes encontró tiempo para grabar 30 discos bajo su propio nombre durante su carrera, debutando en 1954 con el álbum de influencia bop. Las vacaciones de Busman. En 1962, lanzó el fresco y suave Fuera de la tardedonde dirigió un cuarteto que incluía al multiinstrumentista ciego nacido en Ohio, Roland Kirk. Una mezcla de estándares oscilantes y material original de hard bop, llegaría a ser recordado como el trabajo definitivo de Haynes, un testimonio no sólo de su virtuosismo detrás del kit, especialmente en el polirrítmico “Snap Crackle”, escrito por él mismo, sino también de su su don para establecer una profunda relación creativa con otros músicos.

Aunque se acercaba a los cuarenta, no había perdido el gusto por la aventura: se aventuró en los confines del jazz progresivo en una serie de álbumes con iconos de vanguardia como Eric Dolphy (ahí fuera1960), Andrew Hill (fuego negro1963) y John Coltrane (Impresiones1963). Al igual que su amigo Miles Davis, en ese momento había adquirido notoriedad como un ícono de estilo, conocido por su amor por los elegantes trajes italianos y los autos veloces. “Durante ese período me gustaba más eso que tocar la batería”, dijo al sitio web de los premios Grammy. “Cuando iba a Filadelfia, los jóvenes hipsters venían a ver (lo que llevaba puesto)”. En 1960, don lo nombró el hombre mejor vestido del año.

Los últimos años

Incluso cuando el mundo del jazz experimentó un período de declive comercial en las décadas de 1970 y 1980, continuó ampliando sus horizontes musicales, experimentando con pop-jazz, música latina y fusión eléctrica en una variedad de contextos. En 1988, ganó su primer Grammy, a la Mejor Interpretación de Jazz Instrumental de Jazz, Grupo, después de formar equipo con el pianista McCoy Tyner, el saxofonista Pharaoh Sanders y el bajista Cecil McBee para grabar Blues para Coltrane: un tributo a John Coltraneque combinó enérgicas modificaciones de varias canciones de Coltrane con material original. “Lo que diferencia a Roy de otros músicos es que escucha muy bien”, dijo Tyner. Smithsonian en 2003. “Él te enseña a escuchar atentamente y a responder en consecuencia, a poner las cosas en perspectiva, no a simplemente salir adelante por ti mismo”.

Entre 2002 y 2012, Haynes dirigió un grupo de jazz llamado Fountain Of Youth, que utilizó para apoyar a talentos jóvenes y prometedores como el saxofonista tenor y futuro artista de Blue Note, Marcus Strickland. Galardonado con el Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres, el máximo honor artístico de Francia, en 1996, continuó cosechando elogios en las últimas dos décadas de su vida, incluido un premio Lifetime Achievement Award en los Grammy en 2010 y una medalla George Peabody. de la Universidad John Hopkins, que reconoce a personas por su destacada contribución a la música estadounidense.

Haynes, que siguió tocando la batería hasta bien entrados los noventa, vivió sus últimos años en Long Island, a sólo unas horas de la ciudad de Nueva York. Incluso en su vejez, parecía desafiar tanto a la naturaleza como al tiempo, apareciendo en fotografías con el físico esbelto y musculoso de un boxeador de peso mosca, una imagen que recuerda la energía juvenil que nunca dejaba de fluir a través de su música.

Con su presencia magnética en el escenario y su ingenio rítmico, Roy Haynes mostró al mundo que tocar la batería implicaba más que mantener un ritmo constante, y que los músicos en papeles secundarios podían ser tan creativos como los músicos a los que acompañaban. “Cuando alguien más toca un solo, lo decoro con cosas que me vienen a la mente, cosas que escucho”, dijo. El escritorio de las artes en 2011. “Pinto cuadros, cuento historias”.